Interplay: Metteurs en scène, régisseurs et chefs d’orchestre 2025

Joel Ivany — qui a été décrit comme « l’enfant pas si terrible de l’opéra au Canada » — est reconnu pour sa capacité de repousser les limites de l’opéra. En 2010, il a fondé, à Toronto, la compagnie d’opéra Against the Grain Theatre, à laquelle il continue de consacrer du temps. Il a adapté et traduit plus de 10 opéras présentés dans des lieux inattendus, et a été qualifié de « héros des arts » par le Globe and Mail en 2020 pour son travail de réalisation pour le film numérique loué par la critique Messiah/Complex, une adaptation du Messie de Händel. Joel Ivany a également mis en scène 50 productions pour des compagnies d’opéra des quatre coins de l’Amérique du Nord et de l’Europe, dont la Compagnie d’opéra canadienne, l’Opéra de Vancouver et l’Opéra du Minnesota.

Amiel Gladstone est un auteur et un metteur en scène qui vit sur la Côte Ouest. Au nombre des opéras qu’il a mis en scène figurent Rattenbury et la Tosca à Pacific Opera Victoria, Dark Sisters et Lucia di Lammermoor à l’Opéra de Vancouver, ainsi que plusieurs opéras jeunesse pour le programme Vancouver Opera In Schools. En tant que metteur en scène, il a dirigé des productions adaptées à des sites non conventionnels, tout comme des productions traditionnelles présentées dans des salles de théâtre, pour des compagnies dont Alberta Theatre Projects, l’Arts Club de Vancouver, Belfry Theatre, Caravan Farm Theatre, Factory Theatre, le Firehall, le Guild Hall Theatre (Whitehorse, Yukon), Musical Stage Co, Theatre Replacement, Theatre Conspiracy, Theatre SKAM, la Vancouver Playhouse, et le Festival PuSh. En tant qu’auteur, il a vu ses pièces produites par Alberta Theatre Projects, Belfry Theatre, Touchstone Theatre, Caravan Farm Theatre, le Centre national des arts, Solo Collective, Western Edge Theatre, Theatre SKAM. Ses pièces ont également été présentées sur la scène internationale aux États-Unis, en France et en Roumanie.

Grâce au caractère innovant et à l’étendue de ses activités artistiques, à son tempérament dynamique et à ses prestations « captivantes et aptes à élargir les horizons », la pianiste primée Megumi Masaki est considérée comme l’une des interprètes de premier plan de la scène de la musique contemporaine. Elle se spécialise dans l’exploration des manières d’intégrer son, image, texte et mouvement dans des œuvres multimédia. Elle collabore fréquemment avec des compositeurs, des artistes en arts visuels, des écrivains et des chorégraphes dans le cadre de projets interdisciplinaires mettant à profit les nouvelles technologies pour accroître l’interaction dynamique entre le créateur et l’interprète. Megumi Masaki a commandé de nombreuses nouvelles œuvres et a donné la première de plus de 70 œuvres dans le monde. Elle est professeure de piano ainsi que directrice du New Music Ensemble et du New Music Festival à l’Université Brandon, est membre de l’ensemble interdisciplinaire Noiseborder et de Slingshot-Kidõ, et fait partie du corps enseignant du festival Casalmaggiore, en Italie. Elle est également directrice artistique du Concours de musique national Eckhardt-Gramatté.

Veuillez vérifier régulièrement les ajouts à la liste des professeurs.

Kamna Gupta est une chef d’orchestre américaine primée, qui a une l’expérience considérable en opéra, en musique orchestrale et en musique chorale. Sa saison 2023-24 a été ponctuée de premières : Mme Gupta a dirigé le chœur (Trinity Choir) et l’ensemble NOVUS de la Trinity Church Wall Street (New York) dans Number Our Days, le nouvel oratorio de Luna Pearl Woolf, et reparaît au festival Spoleto pour y diriger la première de l’opéra Ruinous Gods de Layale Chaker . De plus, Mme Gupta a également a été chef adjointe à l’Opéra national à Washington pour l’opéra Songbird (La Périchole adaptée au jazz),  s’est jointe au corps enseignant du programme d’Opéra de chambre du Centre des arts et de la créativité de Banff, et a fait une nouvelle apparition à Tapestry Opera pour y diriger Rocking Horse Winner de Gareth Williams, opéra qui a été enregistré sous sa baguette durant la pandémie, a été accueilli chaleureusement par la critique et a été diffusé à l’Opéra du samedi au réseau anglais de Radio-Canada. Elle a également dirigé Les pêcheurs de perles (Bizet) à l’Opéra de Vancouver, In Our Daughter’s Eyes  (Du Yun) avec l’Opéra de Los Angeles dans le cadre du Prototype Festival, et la première de The Rip Van Winkles  (Ben Morris) au festival Glimmerglass (New York).

La musique de Daniel Schlosberg, compositeur, pianiste et chef d’orchestre qui vit à Brooklyn, a été jouée par le quatuor Dover, l’Orchestre du Minnesota, le Trinity Wall Street Choir, et les orchestres symphoniques de Nashville et d’Albany, dans des lieux comme le Carnegie Hall, Le Poisson Rouge (NY), le Royal Albert Hall (Londres), le Beijing Modern Music Festival, et le Festival of Disruption de David Lynch. Elle a aussi fait l’objet d’articles du New York Times et a été diffusée à l’émission Soundcheck du réseau WNYC. Daniel Schlosberg a reçu la bourse Charles Ives de l’American Academy of Arts and Letters et deux prix Morton Gould de l’ASCAP. Il a composé et dirigé des ensembles au Soho Repertory Theater, au Public Theater (NY), au Festival de théâtre de Williamstown, au Baryshnikov Arts Center et à Playwrights Horizons. Au nombre de ses projets de composition et de direction récents  figurent A Boys' Company Presents: Tell Me If I'm Hurting You  de Jeremy O. Harris (été 2023), Only an Octave Apart d’Anthony Roth Costanzo et Justin Vivian Bond (Wilton’s Music Hall, Londres, octobre 2022) et au Festival de Spoleto (juin 2023), et The Extinctionist, un nouvel opéra composé pour Heartbeat Opera (première au printemps 2024). Daniel Schlosberg est le directeur musical de Heartbeat Opera, pour qui il a signé des orchestrations radicales d’opéra classiques dont l’ingéniosité a été louée par le Wall Street Journal. En plus de ses collaborations avec Angel Blue, Ariana DeBose, Ben Stiller, Tony Kushner, Anthony McGill et Imani Winds, Daniel Schlosberg a été pianiste sur la trame sonore primée (Grammy) du film West Side Story de Steven Spielberg, et soliste de la production de Only an Octave Apart avec l’Orchestre philharmonique de New York.

Lauréate de la médaille d’excellence Sphinx de 2022, la célèbre soprano américaine Karen Slack a acquis une renommée internationale pour sa polyvalence, son charisme et ses réalisations professionnelles. Elle a été acclamée par la critique pour ses interprétations énergiques et passionnées tant dans des rôles principaux d’opéra qu’en récital. Collaboratrice recherchée, elle est reconnue comme chef de file et militante, comme conceptrice de projets et conseillère artistique, et comme quelqu’un qui a une conception révolutionnaire de l’engagement.

Ténor et professeur de chant américain, Jason Ferrante a été décrit par Opera News comme chantant « une tempête de style » et comme « l’une des meilleures voix que j’aie entendues depuis très longtemps »  par Gayle Williams  dans le Sarasota Herald Tribune. Au cours des deux dernières saisons, on l’a entendu incarner Beadle Bamford dans une nouvelle production de Sweeney Todd par Opera Omaha, Don Basilio et Don Curzio dans Le Nozze di Figaro à l’Opéra de la Virginie et à l’Opéra de Knoxville, le « quatrième Juif » dans Salome avec l’Opéra de Tulsa, qu’en concert avec l’Orchestre symphonique de Palm Beach comme ténor soliste dans le Requiem de Mozart sous la direction de Gerard Schwarz. Il a incarné plus de 80 rôles sur la scène de l’opéra et s’est produit comme soliste avec des orchestres de premier plan, dont ceux de Boston, Detroit, Chicago, Juilliard, et des orchestres symphoniques nationaux. En plus de cumuler deux décennies d’expérience de scène, Jason Ferrante est devenu l’un des professeurs de chant les plus recherchés du monde de l’opéra, enseignant à des professionnels qui se produisent sur les scènes du monde ainsi qu’à des chanteurs participant aux programmes de formation de compagnies d’opéra du Minnesota, de Pensacola, de Nashville, de Portland, de Wolf Trap et d’Arizona, ainsi que du Brevard Opera Institute. Il fait régulièrement partie du jury du Concours Laffont du Metropolitan Opera et dirige le département de chant classique de YoungArts.

Amanda Testini est une actrice, chorégraphe et metteure en scène vivant sur les terres ancestrales non cédées des Premières Nations Musqueam, Squamish et Tsleil-Waututh. Elle a travaillé à l’Arts Club, au festival Bard on the Beach, au Cultch, Theatre Replacement, le Firehall Arts Centre, le Belfry Theatre, Opera Kelowna, le Gateway, Savage Society, Theatre Under the Stars, VACT, Carousel Theatre, shameless hussy productions, Neworld Theatre, Speakeasy Theatre, The Electric Company, l’Opéra de Vancouver et Axis Theatre. Au nombre des points forts de sa carrière, notons le travail de chorégraphe adjointe pour Onegin (Arts Club/Belfry), une tournée canadienne dans le rôle principal de Justine Chambers in Love Bomb (shameless hussy productions), la chorégraphie de quatre « East Van Pantos » pour Theatre Replacement, l’incarnation du rôle de Lydia Wickham dans Miss Benett: Christmas at Pemberly, et le travail d’assistante à la mise en scène pour La Cenerentola (Vancouver Opera). Elle a aussi été metteure en scène dans le cadre du programme pour jeunes artistes Yulanda M Faris (2021-2022) à l’Opéra de Vancouver où elle a mis en scène Cavalleria Rusticana in Concert (Mascagni) et Blond Eckbert (Judith Weir), et a été chorégraphe et assistante à la mise en scène de HMS Pinafore (Gilbert et Sullivan). Elle a tout récemment travaillé  conjointement à l’élaboration du spectacle de danse contemporaine de Sophie Dow sur la musique d’Agrimony, le nouvel album de Laura Reznek. Amanda Testini est très reconnaissante d’être ici au Centre des arts de Banff pour continuer à faire évoluer son art et pour se plonger dans le somptueux monde de l’opéra. Elle tient également à souligner le soutien du Fonds pour artistes Bill Millerd de l’Arts Club Theatre Company. Diplômée du Studio 58, elle a été en nomination pour un prix Jessie.

Brenna Corner is an international opera and theatre stage director working across the United States, Canada and Europe. She is also the Artistic Director of Pacific Opera Victoria, in British Columbia Canada.

Select directing projects include: Il Trovatore (Washington National Opera); Tenor Overboard (Glimmerglass Festival); H.M.S Pinafore (Vancouver Opera); Carmen (Des Moines Metro Opera); Don Giovanni (Seattle Opera); Hansel and Gretel (San Diego Opera & Vancouver Opera); La Bohème (Calgary Opera); Dead Man Walking (The Israeli Opera); La Bohème (The Dallas Opera); Noye’s Fludd & Scalia/Ginsburg (Glimmerglass Opera); Sweeney Todd (New Orleans Opera); Der fliegende Holländer (Cincinnati Opera & Houston Grand Opera); L’Elisir d’Amore (Vancouver Opera); Carmen (The Atlanta Opera); and Cendrillon & La Clemenza di Tito (Manitoba Underground Opera).

She was the founding Artistic Director of Manitoba Underground Opera, which produces a festival of new operatic experiences each August in Winnipeg. She has also worked as a dramatic coach for training programs including The Washington National Opera Cafritz Young Artist Program in Washington D.C.

Brenna made her directorial main stage debut in 2016 with a new production of Hansel and Gretel designed by the Old Trout Puppet Workshop for Vancouver Opera. This production has since toured North America, and was mostly recently produced for San Diego Opera as part of their 2019-20 season. She made her American directorial debut in February of 2017 with New Orleans Opera, creating a new production of Sweeney Todd, The Demon Barber of Fleet Street.

During the COVID-19 pandemic she created new opera experiences through film including Don Giovanni for Seattle Opera, Carmen: Up-Close and Personal for Vancouver Opera, Dear Mom: a web series for Kentucky Opera and Green Envelopes for Manitoba Underground Opera.

Brenna was a member of the Yulanda M. Faris Young Artist Program with Vancouver Opera and spent two years as the resident director for The Atlanta Opera Studio Artist Program. She is a certified member of Fight Directors Canada and has choreographed many fights for both opera and theatre.

She studied classical music at The University of Manitoba, and she has diplomas in theatre from Grant MacEwan College and The British American Drama Academy.

Joel Brennan jouit d’une carrière diversifiée de musicien et d’enseignant. Il a joué avec des orchestres du monde entier, notamment les orchestres symphoniques  de Melbourne (Australie), de Winnipeg et de Bilkent (Turquie), ainsi que les orchestres philharmoniques de Séoul (Corée), de Rotterdam (Pays-Bas) et de la Malaisie. Il a été trompette solo de l’Orchestre du Centre des arts de la scène de Hyōgo (Japon) et de l’Orchestre symphonique d’Amsterdam.

Passionné de musique contemporaine et de musique de chambre, Joel Brennan  a commandé ou donné la première de dizaines de nouvelles œuvres, déterminé à travailler avec des compositeurs émergents et des compositeurs appartenant à des groupes démographiques sous-représentés. Il est membre de Ensemble Three, un trio inusité — trompette, trombone et guitare — qui a été décrit comme « un exemple inspirant de la culture musicale classique tournée vers l’avenir en Australie » (CutCommon) et a gagné le Prix des maîtres de la musique contemporaine du Melbourne Recital Centre en 2017. Il est aussi membre de Lyrebird Brass, un ensemble de musiciens se spécialisant dans l’interprétation des plus grandes pièces de musique de chambre pour cuivres.

Joel Brennan a reçu son baccalauréat au Conservatoire de musique d’Oberlin avant de poursuivre ses études à l’École de musique de Yale, où il a fait son doctorat en musique. Lauréat d’une bourse Fulbright en 2007, il a passé un an à jouer, à enseigner et à étudier aux Pays-Bas.

Profondément dévoué à l’éducation, Joel Brennan est professeur agrégé en interprétation musicale au Conservatoire de musique de Melbourne (Université de Melbourne, Australie). Il a également fait partie du corps enseignant de l’Université de Brandon (Canada) et du campus de Tianjin (Chine) de l’École Juilliard, où il a travaillé avec les étudiants du programme préuniversitaire et des cycles supérieurs en plus de jouer avec l’Ensemble Juilliard de Tianjin. Il a été enseignant invité à l’Australasian Trumpet Academy, à la Danish German Brass Academy et à l’Atelier de trompette d’Oberlin. Il est le créateur de « Poper’s Game » une appli originale conçue pour les trompettistes.

Joel Brennan est un artiste Yamaha.
 

La percussionniste en constante évolution Aiyun Huang a une carrière musicale active comme soliste, chambriste, chercheuse, enseignante et productrice. Elle a remporté le Premier prix et le Prix du public au Concours international de musique de Genève en 2002. Plus récemment, parmi les moments marquants, notons la présentation de concertos avec l'Orchestre symphonique de Taipei et l’Orchestre de la Suisse Romande. Travaillant avec des compositeurs de la scène internationale, Aiyun a commandé et présenté plus de 100 œuvres musicales au cours des vingt dernières années. Elle est chercheuse au Centre de recherche interdisciplinaire en musique, médias et technologie (CITRMMT), à Montréal. Originaire de Kaohsiung, une ville située dans le sud de Taiwan, Aiyun Huang est titulaire d'un doctorat en musique et d'une maîtrise en arts de l'Université de la Californie à San Diego, et d'un baccalauréat en arts de l'Université de Toronto. De 2004 à 2006, elle était membre associée du corps enseignant (faculty fellow) de l'UCSD. À l'heure actuelle, elle est professeure adjointe de percussions à l'École Schulich de l'Université McGill à Montréal, au Canada. Elle soutient fièrement Sabian, Yamaha Canada, et Innovative Percussion.

Jose Franch-Ballester (Frank Ba-yès-tèr), clarinettiste espagnol primé, est considéré comme l’un des meilleurs musiciens solistes et chambristes classiques de sa génération. Il a été loué pour « sa prouesse technique et son enthousiasme indéfectible » (New York Times), sa « sonorité riche et résonnante » (Birmingham News) et son « sens artistique subtil et incomparable » (Santa Barbara Independent). Récipiendaire d’une bourse Avery Fisher de soutien à la carrière en 2008, et gagnant de l’audition internationale  de Young Concert Artists et de l’audition nationale  d’Astral Artists, il est très recherché comme soliste et comme chambriste.

À titre de concertiste, Jose Franch-Ballester a joué son premier concert à New York en 2006 avec l’Orchestra of St. Luke’s au Lincoln Center. Il s’est aussi produit avec le BBC Concert Orchestra, l’Orchestre de Louisville, les orchestres symphoniques  de Princeton, de la Louisiane et de Hilton Head, l’Orchestre de chambre de Santa Barbara, et les orchestres philharmoniques du Wisconsin et de la Malaisie, ainsi que divers orchestres de son Espagne natale.

Jose Franch-Ballester a donné son premier récital new-yorkais au 92NY , et a présenté des récitals au Musée Isabella Stewart Gardner de Boston, à l’Université d’État de l’Iowa, à la Société de musique de chambre de Buffalo et au Mondavi Center for the Performing Arts. Il joue régulièrement avec la Société de musique de chambre du Lincoln Center, à New York comme en tournée, et il est clarinette solo de l’ensemble musical Camerata Pacifica, à Santa Barbara.

Au nombre de ses prestations dans des festivals figurent des concerts au Festival de musique de chambre de Saratoga, à Music@Menlo, à Mainly Mozart, au festival de musique de chambre de Bridgehampton, à Music from Angel Fire, à Chamber Music Northwest et au Festival de Skaneateles. Sur la scène internationale, Jose Franch-Ballester a joué à l’Usedomer Musikfestival en Allemagne, au Festival de Verbier en Suisse, au Cartagena Festival Internacional de Música en Colombia, au Festival Kon-Tiki en Norvège, et au Young Concert Artists Festival à Tokyo.

Le tromboniste Lee Allen a joué avec les orchestres  philharmoniques de Buffalo et de Los Angeles, et les orchestres symphoniques de Détroit et de San Diego. À titre de trombone solo de l’Orchestre philharmonique de Las Vegas, il a joué avec les orchestres symphoniques de Santa Monica, de Riverside et de San Bernardino, l’Opéra de Long Beach, l’Orchestre philharmonique de Burbank et l’Orchestre symphonique juif de Los Angeles. Lee Allen a joué en tournée en tant que membre du groupe de Brian Culbertson, musicien de « smooth jazz » primé en 2008, et s’est également produit avec Adele au Gala des Oscars en 2013. Lee Allen a travaillé à de nombreux enregistrements dont une collaboration avec Jay Friedman au studio « The Bridge Recording », à Los Angeles. Il est l’un des membres fondateurs de MOMUS, quatuor de trombones salué par la critique, et membre du Pacific Trombone Project, qui comprend des trombonistes de premier plan de la Thaïlande, de la Corée du Sud, de la Chine et de l’Australie.

Enseignant dévoué et recherché, Lee Allen est actuellement membre du corps enseignant (trombone) et titulaire de la chaire des cuivres et percussions à l’École Juilliard de Tianjin. Il y est aussi membre de l’Ensemble Juilliard de Tianjin, ensemble entièrement composé d’enseignants, qui joue des concerts de musique de chambre aux quatre coins de l’Asie. Il est membre du corps enseignant d’été de RondoFest à Penang, en Malaisie. Il a enseigné au Conservatoire de musique d’Oberlin, à l’Université de la Californie du Sud (USC) et à la Colburn School for the Performing Arts. Durant son mandat de professeur adjoint en trombone au Conservatoire d’Oberlin (2013 - 2019), Lee Allen a été soliste pour de nombreux grands ensembles. Il a donné la première américaine de Nanokonzert de Christopher Starks, pour trombone solo et ensemble contemporain en 2015. Il a également dirigé l’Oberlin Brass Quintet durant une tournée d’un mois en Chine et a emmené des étudiants en Ouganda (Afrique) dans le cadre d’une collaboration avec Brass for Africa. Il a donné des classes de maître aux quatre coins des États-Unis, en Corée du Sud et en Chine.

Lee Allen est titulaire d’une maîtrise et d’un doctorat en interprétation musicale de l’École de musique Thornton de l’Université de la Californie du Sud, et d’un baccalauréat en éducation de l’Université du Kentucky. Au nombre de ses principaux mentors figurent Terry Cravens, Dale Warren, Bill Watrous et Per Brevig.

Lee Allen est un artiste Shires.
 

In the earlier days of the COVID pandemic, after a series of outdoor concerts, the Garneau String Quartet was formed and recently became Ensemble-in-Residence at MacEwan University Conservatory of Music in Edmonton, Alberta. The quartet is comprised of members of the Edmonton Symphony Orchestra - violinists Robert Uchida and Laura Veeze, violist Keith Hamm, and cellist Julie Hereish.

As part of their residency, the quartet performs a series of concerts throughout the season. They also coach young artists in the Chamber Music Academy Program who work with guest artists, and participate in performance classes and recitals.

The GSQ has toured the province of Alberta and has collaborated with artists such as Tom Allen, Lori Gemmel, Philip Chiu, Desmond Hoebig, Jessica Linnebach, and the Rosebud String Quartet.

The quartet gratefully acknowledges the support of the descendants of Eleanor and Laurent Garneau, for whom music and music making was, and is, a great source of inspiration and expression.

Robert Uchida (Violin): Robert joined the Edmonton Symphony Orchestra (ESO) as concertmaster in 2013, having held the same position with Symphony Nova Scotia for seven years. A passionate teacher, Robert serves on the faculty at the University of Alberta and has held teaching positions at Acadia University, the Manhattan School of Music and the National Arts Centre of Canada’s Young Artists Program.

Laura Veeze (Violin): Dutch violinist and violist Laura Veeze has reached audiences on three continents as a soloist, recitalist, and chamber musician. She has held principal second violin positions with the Radio Chamber Philharmonic in the Netherlands and with Symphony Nova Scotia. In addition to her position with the first violins of the ESO, she is concertmaster of the Chamber Orchestra of Edmonton, and principal second violin of the Alberta Baroque Ensemble.

Keith Hamm (Viola): Keith joined the ESO in September 2019 as principal violist, a position he held with the Canadian Opera Company Orchestra for eight seasons. A native of Rosebud, Alberta, Keith received his training at the Glenn Gould School of Music under the instruction of Steven Dann, and at the Mount Royal Conservatory with Nicholas Pulos. Keith is founder and artistic director of the Rosebud Chamber Music Festival in Rosebud, Alberta. He is also co-founder and violist of the Rosebud String Quartet.

Julie Hereish (Cello): Julie Hereish joined the ESO as assistant principal cello in 2019. She previously held the same position with the Québec Symphony Orchestra. Born in Montreal, Julie pursued her studies in her hometown, and then in Vienna, Austria. Julie is a co-founder and member of the Edmonton-based High Level Trio, comprised of members of the ESO. Alongside her husband, Keith Hamm, she founded The New Cohort at the beginning of the COVID-19 pandemic. The duet went on tour in the Maritimes with Debut Atlantic in September 2022.

Au début de la pandémie de COVID-19, après une série de concerts en plein air, le quatuor Garneau a été créé, et il est récemment devenu ensemble en résidence au Conservatoire de musique de l’Université MacEwan, à Edmonton, en Alberta. Le quatuor est composé de membres de l’Orchestre symphonique d’Edmonton : les violonistes Robert Uchida et Laura Veeze, l’altiste Keith Hamm et la violoncelliste Julie Hereish.

Dans le cadre de la résidence, le quatuor donne une série de concerts au fil de la saison. Ses membres encadrent aussi de jeunes musiciens du programme de l’Académie de musique de chambre qui travaillent avec des artistes invités et participent à des cours d’interprétation et récitals.
Le Quatuor Garneau a joué en tournée en Alberta et a collaboré avec divers musiciens, dont Tom Allen, Lori Gemmel, Philip Chiu, Desmond Hoebig, Jessica Linnebach et le Quatuor Rosebud.

C’est avec gratitude que le Quatuor Garneau reconnaît le soutien des descendants d’Eleanor et Laurent Garneau, pour qui la musique et l’interprétation musicale ont été — et continuent d’être — une grande source d’inspiration et d’expression.

Robert Uchida (violon) : Robert Uchida s’est joint à l’Orchestre symphonique d’Edmonton (ESO) en tant que violon solo en 2013, après avoir occupé le même poste à Symphony Nova Scotia durant sept ans. Éducateur  passionné, il fait partie du corps enseignant de l’Université de l’Aberta et a également été enseignant à l’Université Acadia, à la Manhattan School of Music et au Programme des jeunes artistes  du Centre national des arts du Canada.

Laura Veeze (violon) : Violoniste et altiste hollandaise, Laura Veeze a touché le public de trois continents comme soliste, récitaliste et chambriste. Elle a occupé le poste de second violon solo à l’Orchestre de chambre de la radio néerlandaise et à Symphony Nova Scotia. En plus de son poste dans la section des premiers violons de l’Orchestre symphonique d’Edmonton, elle est violon solo du Chamber Orchestra of Edmonton, et second violon solo de l’Alberta Baroque Ensemble.

Keith Hamm (alto) : Keith Hamm s’est joint à l’Orchestre symphonique d’Edmonton en septembre 2019 comme alto solo, poste qu’il avait tenu à l’Orchestre de la Compagnie d’opéra canadienne durant huit saisons. Originaire de Rosebud, en Alberta, Keith Hamm a étudié avec Steven Dann à l’École de musique Glenn Gould, et avec Nicholas Pulos au Conservatoire de l’Université Mount Royal. Il est le fondateur et le directeur artistique du Festival de musique de chambre de Rosebud (Alberta). Il est également cofondateur et altiste du Quatuor Rosebud.

Julie Hereish (violoncelle) : Julie Hereish s’est jointe à l’Orchestre symphonique d’Edmonton comme violoncelle solo assistant en 2019. Elle a auparavant occupé le même poste à l’Orchestre symphonique de Québec. Née à Montréal, Julie Hereish a commencé ses études dans sa ville natale, puis les a poursuivies à Vienne, en Autriche. Elle est cofondatrice et membre du High Level Trio (Edmonton), composé de membres de l’Orchestre symphonique d’Edmonton. Avec son mari, Keith Hamm, elle a fondé The New Cohort au début de la pandémie de COVID-19. Le duo est parti en tournée dans les Maritimes avec Debut Atlantic en septembre 2022.
 

Né en Corée, Sung-Won Yang est diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris et a été l’assistant de Janos Starker à l’Université de l’Indiana. Il est régulièrement invité à être membre du jury de concours internationaux comme le Concours de musique international (quatuor à cordes) de Banff, le Concours international de violoncelle André Navarra en France, le Concours international de violoncelle Cassado au Japon et le Concours international Ysang Yun  de Tongyeong, en Corée. Il a été fait Chevalier des Arts et des Lettres  par le gouvernement français. Il est présentement professeur de violoncelle à l’École de musique de l’Université Yonsei à Séoul, professeur invité à la Royal Academy of Music (R.-U.) et directeur artistique du Festival Beethoven à Beaune (France) et du Festival « Music In PyeongChang ».

Paul Meyer s’est fait connaître en 1982 en gagnant le prestigieux Concours Eurovision; il avait à peine 17 ans. Il a obtenu le poste de clarinette solo à l’Orchestre de l’Opéra de Lyon en 1983, à l’Ensemble Intercontemporain en 1984, et à l’Opéra de Paris en 1985. Très peu de temps après, il a quitté l’orchestre pour faire une carrière  de soliste, se produisant sur les plus importantes scènes du monde avec des orchestres de renommée internationale (l’Orchestre National de 

France, l’Orchestre de Paris, le Koninklijk, l’Orchestre du Concertgebouw, l’Orchestre philharmonique de la BBC, le Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, l’Orchestre symphonique de la WDR de Cologne, l’Orchestre philharmonique de Los Angeles, le Tonhalle-Orchester Zürich, l’Orchestre de la Suisse Romande, le NHK Tokyo, l’Orchestre symphonique de l’État russe, etc.), et aux côtés des meilleurs musiciens, notamment Benny Goodman, Isaac Stern, Mstislav Rostropovitch, Jean-Pierre Rampal, Martha Argerich, Yuri Bashmet, Gidon Kremer, Yehudi Menuhin, Yo-Yo Ma et Emmanuel Ax.

Passionné de musique de chambre, il a fondé l’ensemble Les Vents Français  et est cofondateur, avec Éric Le Sage et Emmanuel Pahud, du Festival International de Musique de Salon de Provence.

Pour ses contributions aux arts en France et dans le monde, Paul Meyer a été nommé Commandeur des Arts et des Lettres,  la plus haute distinction culturelle en France.

 

Magali Mosnier, flûte solo de l’Orchestre philharmonique de Radio France depuis 2003, est l’une des flûtistes les plus recherchées sur la scène internationale. Passant allègrement de la musique baroque à la musique contemporaine, elle partage son temps entre les concerts de son prestigieux orchestre et des concerts comme soliste dans le monde entier.

Elle a gagné le Concours international Jean-Pierre Rampal à Paris (2001) et le Concours ARD à Munich (2004), et a été décrite comme « une révélation en tant qu’instrumentiste soliste » aux prix Echo Klassik de 2006 et a été en nomination dans la catégorie « instrumentiste soliste » aux Victoires de la Musique Classique en 2016 et en 2020.

Magali Mosnier a enregistré quatre albums sur étiquette Sony Classical : Fantaisie, Bach, Mozart, et le Concerto pour flûte et harpe de Mozart avec Xavier de Maistre. Elle figure aussi sur de nombreux albums de musique de chambre comprenant notamment des œuvres de Ravel, Dutilleux, Lenot et Lefrancois; elle a récemment enregistré la Sonate pour flûte, alto et harpe de Debussy avec Antoine Tamestit et Xavier de Maistre pour Harmonia Mundi.

Cette saison, elle jouera au Festival de Klosters avec Arabella Steinbacher et la Kammerakademie Potsdam, au Festival de Moritzburg, en tournée en Allemagne avec Éric Le Sage, au Festival de Mecklenburg-Vorpommern avec Anneleen Lenaerts et Nils Mönkemeyer; elle jouera le concerto d’Alexandre Desplat avec l’Orchestre symphonique de Vienne au MusikVerein .

Magali Mosnier est représentée par Konzertdirektion Dr. Rudolf Goette , à Hambourg. En plus de ses activités de musicienne, Magali Mosnier a toujours donné de l’importance à l’enseignement et à la transmission des connaissances . Après deux ans à la Haute école de musique de Lausanne, elle a été professeure au Conservatoire à rayonnement régional (CRR) de Paris  et au Pôle Supérieur de Paris depuis cinq ans. Magali Mosnier donne également des classes de maître en France et à l’étranger.
 

Éric Le Sage est connu comme un représentant notoire de l’école de piano française, caractérisée par sa sonorité très subtile, son vrai sens de la structure et la poésie de son phrasé. Déjà lorsqu’il était âgé d’à peine vingt ans, le Financial Times l’avait décrit comme « un disciple extrêmement cultivé de la grande tradition française du piano de Schumann ». En 2010, Die Zeit a loué son « esthétique pianistique et [sa] clarté françaises idéales ».

Éric Le Sage est invité à jouer comme soliste avec des orchestres du plus haut niveau, comme les orchestres philharmoniques  de Los Angeles, de Brême, de Dresde , de Rotterdam et de Radio France, les orchestres symphoniques de Toronto, de Saint-Louis, de Göteborg, de la SWR, de la NHK et du Queensland, l’Orchestre de Philadelphie, le Konzerthaus Orchester de Berlin, le Royal Scottish National Orchestra, l’Orchestre symphonique Yomiuri  du Japon, l’Orchestre métropolitain de Tokyo, l’Orchestre de chambre de Munich, l’Orchestre National de Bordeaux-Aquitaine, l’Orchestre Métropolitain (Montréal)  et le Chamber Orchestra of Europe, sous la direction de chefs dont Edo de Waart, Stéphane Denève, Pablo Gonzalez, Fabien Gabel, Jeffrey Tate , François Leleux , Alexander Liebreich, Kazuki Yamada, Alondra de la Parra, Lionel Bringuier, Michael Stern, Leonardo Garcia Alarcon, Simon Rattle et Yannick Nézet-Seguin.

Éric Le Sage a donné des récitals et des concerts de musique de chambre lors de grands festivals et dans des salles prestigieuses du monde, notamment le Wigmore Hall, le Suntory Hall, le Carnegie Hall, la Laeiszhalle de Hambourg, la Philharmonie de Paris, le Théâtre des Champs-Elysées, Radio France, la Philharmonie de Cologne, la Philharmonie d’Essen, la Philharmonie de Dresde, l’Alte Oper de Frankfort, le Concertgebouw d’Amsterdam, la Schubertiade de Schwartzenberg, le Mozarteum de Salzbourg, le Festival de Ludwigsburg, le Rudolfinium de Prague, le Taipei National Concert Hall, le Wiener Konzerthaus, la Philharmonie du Luxembourg, la Dublin’s celebrity series, le Festival international d’Edinburgh, la Tonhalle Düsseldorf, le Festival de la Roque d’Anthéron, Sanssouci à Potsdam, Bozar à Bruxelles, la Boulezsaal à Berlin, le Konzerthaus Berlin et la Philharmonie de Berlin.

Éric Le Sage a enregistré de nombreux albums; tous ont été accueillis avec enthousiasme par la critique et ont gagné de nombreux prix. À part son cycle de Schumann de 2010 — qui est célèbre dans le monde entier et a reçu le très prestigieux Jahrespreis der deutschen Schallplattenkritik (prix annuel de la critique allemande) — ses enregistrements notoires sont l’intégrale de la musique de chambre avec piano de Francis Poulenc (BMG, 1998), l’intégrale de la musique de chambre avec piano de Fauré (Alpha 228 ), et l’intégrale de la musique de chambre de Brahms (B-Records, 2021).

Deux albums magnifiques sont sortis en 2022 : Un album de musique de Mozart (les concertos n° 17 et 24) sous la direction du chef François Leleux — avec qui il partage la scène depuis longtemps — et l’Orchestre symphonique de Gävle, sur étiquette Alpha, et un album solo de Sony Classical présentant du répertoire français rarement joué du début du XXe siècle. Au cours des dernières années, Éric Le Sage a enregistré l’ensemble des nocturnes de Fauré sur étiquette Alpha (2019) et les trois dernières sonates de Beethoven (2014). Au nombre de ses enregistrements de musique de chambre figurent des collaborations avec des artistes comme le ténor Julian Prégardien (album de musique de Schumann en 2019), Emmanuel Pahud, Paul Meyer, Daishin Kashimoto et Aurélien Pascal, entre autres, axées sur le répertoire de Vienne autour des années 1900 et la musique de Nino Rota.

Vraiment passionné de musique de chambre, Éric Le Sage joue régulièrement avec des amis, dont Emmanuel Pahud, Paul Meyer, les membres du  Quatuor Ébène et des Vents Français, François Leleux, Jean-Guihen Queyras, François Salque, Lise Berthaud, Daishin Kashimoto, Claudio Bohorquez, Julian Prégardien, Sandrine Piau, Olivier Latry, et bien d’autres encore.

Né à Aix en Provence, Éric Le Sage a été lauréat d’importants concours de musique internationaux, dont celui de Porto en 1985 et le Concourt Robert Schumann à Zwickau, en 1989. Il avait également gagné un prix au Concours international de piano de Leeds la même année, ce qui lui a permis de jouer sous la baguette du grand chef Simon Rattle. Éric Le Sage est professeur à la Hochschule für Musik à Fribourg, en Allemagne.
 

Internationally renowned Acadian soprano Suzie LeBlanc's singing career includes performances and widely acclaimed recordings with keyboardists, chamber ensembles and orchestras in new, early and traditional repertoires.

She received the Order of Canada (2015) and four honorary doctorates for her prolific performances of early music, as well as for her contribution to Acadian culture. In 2021, she was the recipient of the Prix Éloize for the most distinguished artist outside Acadia. She commissioned eleven Canadian compositions set to the poetry of Pulitzer-Prize recipient Elizabeth Bishop and recorded them on the album “I am in need of music” which won an ECMA for Best Classical Recording. Ms. LeBlanc began her career as a well-known performer and scholar of Baroque repertoire. Residing in Europe between 1987 and 1999, she performed on main stages such as Het Concertgebouw, De Nederlandse Opera, The Vienna Konzerthaus,Wigmore Hall and the Proms in London. She toured Asia, Australia, Canada, Europe, the US and South America with world leading early music ensembles. In 1998, she was invited to perform for the former president of Czechoslovakia, Václav Havel, at the Canadian Embassy in Prague.

Returning to Montreal in the year 2000, she performed with major symphony orchestras on both sides of the border. In 2005, she founded Le Nouvel Opéra, a Montreal-based company that produces baroque opera and contemporary works. Three of Le Nouvel Opéra’s productions were featured in Early Music Vancouver’s Summer Festival (2005, 2006 and 2008).

Her thirst and curiosity for new vistas led her to expand her repertoire from mainly Baroque to a full range of classical and modern, as well as improvisation. After her Mozart lieder album with the renowned conductor and pianist Yannick Nezet-Seguin, she recorded works of Olivier Messiaen, winning a Quebec Opus award for best contemporary music recording, explored the art of improvisation with the ensemble Mélosphère on the CD "Tempi con Variazioni," which won an Opus Award for best World Music. Fascinated by the music of her native land, she recorded three CDs of Acadian traditional music (ATMA). Her recordings, numbered at 70, have received international praise and several prestigious awards: a Grammy award for Lully's “Thésée” and a CINI award (Italy) for the opera "Orfeo" by Sartorio, in which she sings the leading role.

Moved by the migrations and upheavals of her Acadian ancestors, she created a multimedia performance with composer Jerôme Blais: “mouvance” unites the words of 13 contemporary Acadian poets to Blais’s original music. The pivotal project will be released as a CD in November of 2023.

In January 2021, Suzie took on the role of Artistic and Executive Director of Early Music Vancouver, where she now resides.

Alexander Weimann is one of the most sought-after ensemble directors, soloists, and chamber music partners of his generation. After traveling the world with ensembles like Tragicomedia, Cantus Cölln, the Freiburger Barockorchester, the Gesualdo Consort and Tafelmusik, he now focuses on his activities as Artistic Director of the Pacific Baroque Orchestra in Vancouver, and as music director of Les Voix Baroques, Le Nouvel Opéra and Tempo Rubato.

Recently, he has conducted the Montreal-based baroque orchestra Ensemble Arion, Les Violons du Roy, and the Portland Baroque Orchestra; both the Orchestre Symphonique de Québec and the Montreal Symphony Orchestra have regularly featured him as a featured soloist. In the last years, he has repeatedly conducted the Victoria Symphony and Symphony Nova Scotia, most recently with Handel’s “Messiah”.

Alexander Weimann can be heard on some 100 CDs. He made his North American recording debut with the ensemble Tragicomedia on the CD Capritio (Harmonia Mundi USA), and won worldwide acclaim from both the public and critics for his 2001 release of Handel’s Gloria (ATMA Classique). Volume 1 of his recordings of the complete keyboard works by Alessandro Scarlatti appeared in May 2005. Critics around the world unanimously praised it, and in the following year it was nominated for an Opus Prize as the best Canadian early music recording. Recently, he has also released an Opus Award-winning CD of Handel oratorio arias with superstar soprano Karina Gauvin and his new Montreal-based ensemble Tempo Rubato, a recording of Bach’s St. John’s Passion, various albums with Les Voix Baroques of Buxtehude, Carissimi and Purcell, all with rave reviews. His latest album with Karina Gauvin and Arion Baroque Orchestra (Prima Donna) won a Juno Award in 2013, and a complete recording of Handel’s Orlando was released in the fall of 2013, with an exciting group of international star soloists and the Pacific Baroque Orchestra performing.

Alexander Weimann was born in 1965 in Munich, where he studied the organ, church music, musicology (with a summa cum laude thesis on Bach’s secco recitatives), theatre, medieval Latin, and jazz piano, supported by a variety of

federal scholarships for the highly talented. In addition to his studies, he has attended numerous master classes in harpsichord and historical performance. To ground himself further in the roots of western music, he became intensely involved over the course of several years with Gregorian chant.

Alexander Weimann has just moved to the Vancouver area with his wife, 3 children and pets, and tries to spend as much time as possible in his garden and kitchen.